Crónicas desde Midgard
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En otros círculos escribir sobre la serie de esta nueva entrada fácil se interpreta como un argumento oscurantista en este medio. Los menos entendidos les llaman “comentarios geek/’otaku’/freak”, etc. A fin de cuentas veo necesaria la nueva entrada para entender los paradigmas que en los años siguientes, forjaron por dentro y por fuera la industria del manga y el anime.

Pasando lista…
Es algo natural que cada generación tenga una serie de íconos que es identifiquen en un espacio cultural limitado por el rango de su hegemonía. Los hippies de los años 70, los punks de los años 80 y las sectas auto-destructivas de la década pasada demuestran que para bien y para mal, estos símbolos son o han sido el estandarte que las juventudes adquieren bajo una gama de agentes.

En este panorama entran los bases idéaticas. Íconos culturales fundados en las tendencias contrarias a lo que el status quo acepta/tolera; y que hacen la labor de “agentes de cambio” (contenidos en un canal de TV, actitudes frente a una situación colectiva y actualmente las TI) que fomentan, forjan y dirigir el modus vivendi de la nueva juventud.

Así las cosas, 2 generaciones son las que me anteceden: Los “Baby Boomers” (años 50 y 60) y la Generación X (años 70 y 80).

En la primera pertenecen nuestros padres, una generación que vivió en los inicios de la posguerra donde la explosión demográfica y un aumento efímero en la calidad de vida fueron las tendencias que favorecieron la escalada poblacional hacia las consignas sociales y vaticinios apocalípticos (eran los tiempos duros de la Guerra Fría).

La segunda generación se formó de aquellos que no fueron beneficiados por los logros de sus antecesores, la ambivalencia entre la transgresión de la moral hegemónica y la apatía ante un mundo que no les ofrece su nicho de oportunidades fueron sus mayores distitivos. Esta fue la generación que sentó las bases de la mía… Que a duras penas alcancé.

La Generación Y es dominio (en los años que le queda) de las sociedades fundadas en los beneficios del internet. La globalización, las sociedades del conocimiento, cominudades virtuales y espacios del mismo orígen ahora son los que se erigen como agentes de cambio en la política y la vida internacional. Aunque con sus descalabros ocasionales.

Como ven, cada generación hace su respectivo depósito ideático en símbolos que convergen sentires (depresión, incomprensión, esperanza y desarrollo) hacia la inmensa colectividad de sus respectivos ayeres. Desde el acantilado creado por las crisis generacionales, aquellos que nos sucederán pronto observan y se asquean de lo real, abrazando como fanáticos los íconos y símbolos que les otorguen una identidad virtual. Del pináculo de la catarsis a la intolerancia reaccionaria, eso es el ciclo de vida de cualquier producto humano.

La última bestia que grita desde el corazón de mis ancestros…
En el anime no hay excepción, se marcan las pautas: Las Revoluciones del Anime son de alguna forma una categorización informal de aquellas producciones que marcaron el antes y el después en la industria y los consumidores de animación japonesa.

Cuatro producciones que parten desde las críticas hacia la Guerra Fría (Yamato y Gundam) y las óperas espaciales con historias de amor y esperanza (Macross). La última revolución, el último anime se observa como la entrega de la estafeta a la generación actual (o su último gemido :S): La Generación Y, asídua a la despersonalización mediante las TI.

En pleno proceso de vorágine tecnológica global, aparece Shin Seiki Evangelion (Neon Génesis Evangelion), creación casi en su totalidad del señor Hideaki Anno, uno de los fundadores de la compañía de animación GAINAX (1984). “La serie fue transmitida desde Octubre de 1995 hasta Marzo de 1996 en dos bandas horarias. Una a las 19.30 y otra tarde a la noche, donde se corrió la voz acerca de la serie, y donde se hizo popular.

La serie se transmitió por TV Tokyo. La serie cuenta la historia de Shinji Ikari, un joven de 14 años con serios conflictos con su padre, al que no ve hace 10 años, desde que éste llega a la ciudad de Nueva Tokyo-3 por el pedido de su padre. En el momento que llega sucede que la ciudad está bajo el ataque de un gigantesco ser, que luego darán por llamar Angel. […] La serie va desarrollando todos los personajes, el de Shinji principalmente. Mientras que se van presentando misterios, van apareciendo nuevos Angeles, se conoce más acerca de todo el telón de fondo para este universo donde la serie tiene lugar.

La serie sigue un curso normal hasta el episodio 24 inclusive. En cambio los episodios 25 y 26 son del todo bizarros. Mucha gente quedó decepcionada con este final, se acusaba de bajo presupuesto, falta de ideas, o conflictos de producción.

Pero la serie, en los 24 capítulos primeros, fue tan popular, que el descontento con éste final de 2 episodios, que podría ser considerado incompleto, fue tan grande, que podría decirse que forzaron a GAINAX y a Project Eva (staff de GAINAX que trabajó en Evangelion) a hacer un final que pudiera satisfacer a los fans.” (1)

He aquí donde los largometrajes Evangelion - Death&Rebirth y The End of Evangelion (que entre versiones originales, remasterizaciones y ediciones del director se cuentan 4 o 5) presentaron estados finales a la obra que para muchos representó el parteaguas en la manera de narrar una historia dentro del ya emergido (en el mercado internacional) mundo del anime, y que para otros fue el estancamiento del fandom dentro de lo que concierne la aparición de nuevas propuestas que emularon tanto la dimensión del argumento, como las características de sus personajes.

Continuará…

(1): Rei Liberation Parade, agradecimientos a AchtungAffen.

P.D: Perdonen soberano retraso. El término de mis estudios de posgrado, la tesis y demás tesis personales me alejaron 3 meses de mis blogs. Prometo a la brevedad poner más entradas (que tengo en puerta varias, entre ellas esta “vuelta de tuerca” en la celebración de la salida de un nuevo set de largometrajes… En fin, esperen ver más.

Antes de poner la nueva entrada (que de paso les digo, será una reseña), les dejo un pequeño trabajo que hice para el sitio:

 Spot de Ragnarok para cafeteradigital.com [1:00m]: Play Now | Play in Popup | Download (184)

P.D.: Gracias Pedro por ponerme el módulo para los podcast

Cabría la posibilidad de que lo que constituye el valor de las cosas buenas radique precisamente en el hecho de estar emparentadas, vinculadas, amalgamadas de forma insidiosa con estas cosas malas, que parecen antitéticas y con las que tal vez se identifiquen en esencia.
Freidrich Nietzsche (1844 - 1900), filósofo alemán.

La muerte es un castigo para algunos, para otros un regalo, y para muchos un favor.
Séneca (4 A.C. - 65 D.C.), filósofo romano.

La extremada rectitud es la mayor injusticia.
Marco Tulio Cicerón (106 A.C. - 43 A.C.), político romano.

La justicia es la herramienta con la que se condena o absuelve al individuo mediante reglas y, sus practicantes por lo general presentan una ética y rectitud intachable. La policía, los jueces, los abogados y los magistrados son los individuos que recurren a ella para ejercer el arte de lo justo y de lo bueno.

Así llegamos a la modernidad, donde la colectividad es la que dicta la sentencia moral mediante los instrumentos de la justicia y le condena por ello al individuo. Pero cuando semejante poder de lo correcto (la ley) y lo justo (la condena) se le da a una persona, condicionamos a tal a un dilema digno de una obra de Dostoyevski:

¿Si tuvieras la oportunidad de poner un orden donde solo lo bueno perdure, pero con el módico costo de matar a todos los criminales de la sociedad?, ¿te atreverías a hacerlo, o seguirás la ley y el orden que la sociedad impone?, ¿bajo qué preceptos ejecutarías a una persona por cometer algo que tu versión personal de “status quo” no lo permite?, ¿cuál es el límite de la justicia para aquél que tenga el poder de ser juez, parte y ejecutor?

Semejantes diatribas filosóficas son parte del argumento que extrapolan Takeshi Obata (Hikaru no Go) y Tsugumi Ōba a través de una de las propuestas en anime (35 episodios al día de mañana manufacturados por Madhouse) y manga (12 tankōbon, con 108 capítulos en la Shonen Jump) más populares de la temporada: Death Note (デスノート).

Los presuntos implicados:

Mientras en el mundo mortal existen personas corrientes y comunes, debajo se encuentra el infierno y sus dioses: Los shinigami. Ellos, en cierta similitud con las 3 parcas del mito griego, deciden el destino de las vidas de los mortales mediante un artilugio en apariencia, bastante simple: Un cuaderno (Death Note). Pero este cuaderno es especial, ya que si se escribe el nombre de la persona que se visualiza, pasados los 40 segundos, tal persona muere.

En lo decadente y mundano del mundo del shinigami, uno de ellos (Ryuk) se anima a hacer algo que a la larga, tanto le divertirá como le será el vórtice de múltiples sufrimientos: Tira su cuaderno al mundo mortal. Si tomamos el cuenta el contexto y el tipo de sociedad a la que llega semejante artefacto de poder, la cruda lógica aludiría a que la persona que lo tomara tendría un perfil sociópata o alguien con una actitud superficial ante la crisis de identidad que aqueja a la sociedad japonesa (tema que abordaré en el futuro en este blog), pero al final fue todo lo contrario: El dueño mortal del Death Note es un jóven pre-universitario superdotado (Light Yagami).

Cuando se le dan a conocer las reglas del Death Note, Light justifica y canaliza su uso como uno de los anhelos que la humanidad (históricamente mediante las revoluciones) han intentado: Imponer el orden y la justicia en el mundo, sin importar el costo, las consecuencias, ni los medios. Pero tal poder a la larga le vuelve paranoico (al matar representantes de la justicia), sin embargo parte del público acepta a Kira (romanización al decir “Killer” en japonés) como su salvador, su amor, su dios.

Ante semejante ola de genocidio, el gobierno llama a Elle Lawlliet (aka “L”, Hideki Ryuuga, Ryuuzaki), ser de apariencia emo y obsesión por los dulces y el té pero de gran inteligencia y aptitudes detectivescas (que recuerdan al grandioso Sherlock Holmes), convirtiéndole en uno de los mejores detectives del mundo. Él es quien se da a la tarea de dar caza a Kira y entregarlo a la justicia, o al menos a la institución que defiende como tal.

Si agregamos a la trama un padre con una visión y una actitud íntegra hacia la justicia, una modelo de la usanza “Gothic Lolita” obsesionada con su salvador, una esposa que busca la venganza y otros personajes (que se conocerán más adelante en cuanto vea más episodios) aderezando este pastel de dimensiones odiseas.

Diatribas justamente injustas:

En el principio de la serie podemos ver a un Light Yagami convertido en genocida al cometer en tiempo récord una serie de asesinatos inducidos por el poder que el Death Note le dió. Para Kira, el mundo es un lugar donde los impuros (los criminales y aquellos que estén en contra de él) deben ser erradicados por su condición/por cuestionar sus motivaciones propias de la justicia más “recta”. Sin embargo, para “L” la justicia es el camino por el que un criminal tiene la oportunidad de recapacitarse y volver a ser parte de la sociedad como persona de bien. Es por eso que considera a Kira un criminal: Pese al aparente sentido de sus argumentos (los de Kira) van contra un grupo en particular (criminales), en realidad solo es el chivo expiatorio por el cual ni (Kira) se considera un criminal, ni por el que la sociedad repudia sus acciones.

Ya para este punto queda decidir quién es “justo” y quién es “injusto”, en la que ni sus autores entregan una respuesta a la interrogante. Ryuk es quien pone a fin de cuentas, los elementos que estructuran el juego: Desde el principio hace claro que no esta “ni a favor, ni en contra” de Light, y que sólo sería un espectador que mantendría una distancia y una neutralidad entre los dos bandos. No estaba a favor ni en contra de nadie, pero sí dijo algo: “Cuando mueras (Light), seré yo quien escriba tu nombre en mi libreta” […] “Pero te diré algo: Si usas la libreta, no esperes ir ni al cielo ni al infierno”.

Lo importante de este enunciado se revela en episodios más avanzados, donde él afirma: “No existe el cielo ni el infierno. No importa lo que uno haga en su vida, esos que mueren van todos al mismo sitio. En la muerte, todos los humanos son iguales. […] Todos los humanos están destinados a morir algún día. El sitio adonde van una vez están muertos es Mu (la nada)”. Aquí se juega con la justicia divina; cuando Ryuk le confirma a Light que el precio por usar la libreta es no ir ni al cielo ni al infierno, contestando el protagonista que lo sabía, a lo que Ryuk contesta: “En verdad eres un tipo sorprendente. Yo pensaba que todos los humanos creían totalmente en el cielo y el infierno”. Ryuk nos afirma que las nociones del cielo y el infierno como forma de justicia, no tan solo son ilusorias, más aún son injustas, de ahí que todos somos iguales al morir: No existe otro final que la nada, tanto para el más glorioso como para el más vil de nosotros.

Esto lleva a cuestionar la relación entre las dualidades “justicia/injusticia” e “igualdad/desigualdad”. Entendemos siempre que la idea de la igualdad está ligada con la de la justicia; de ahí que la constitución de EE.UU comience: “We hold these truths to be self evident, that all men are created equal”, o que los tres principios de la revolución francesa sean “Igualité, Liberté, Fraternité”. Sin embargo, una de las ideas que más arraigada está en el inconsciente occidental va precisamente en contra de esto: ¿Hay justicia en la diferencia? Si no, ¿cómo podemos hablar del cielo y del infierno? Entonces, ¿es que nuestras nociones son selectivas; ahora la igualdad es justa, ahora no? Si podemos admitir a esa inconsistencia, ¿cómo saber entre una y otra, ente lo que es justo o no?

Esto nos llevaría a cuestionar los peldaños más básicos de nuestra filosofía personal; ya varios filósofos se han planteado estas cosas, llegando todos a varios sitios. Pero es Nietzsche, cuyo “hombre nuevo” según descrito en “Más Allá del Bien y del Mal” tiene muchas similitudes con Light:

“La creencia fundamental de los metafísicos es la creencia en los antítesis de los valores. Llegados a este umbral, pese a ser el momento en el que se hacía más necesario ya que se habían prometido a sí mismos que dudarían de todo. Y es que, ciertamente, cabe poner en duda, primero, que existan antítesis, y segundo, que esas valoraciones a las que han impreso su sello los metafísicos sean más que apreciaciones superficiales, perspectivas provisionales y tal vez incluso perspectivas desde abajo hacia arriba…”

A fin de cuentas:

Death Note viene a ser un ejemplo digno de las tendencias de la animación japonesa en los últimos años. Un fenómeno mundial que lleva en su haber 2 películas live-action creados por la WB-Japón (y en camino una tercera, donde el personaje principal será L) y una invitación a cuestionar lo no tan justo que puede ser la justicia, como lo inminente injusto puede tener atisbos de una justicia inexorable. En definitiva, un manga y un anime que recomiendo ampliamente.

Referencias:

http://animeol.wordpress.com/2007/05/27/pelicula-sobre-l/

http://es.wikipedia.org/Death_Note

http://otsego.animeblogger.net/?p=16

Esta entrada me va a costar muy caro, pero confío en la madurez y reacción sensata como una madre acoge a su hijo en un día lluvioso. Esto de alguna forma u otra levantará un halo de polémica acerca de la divergencia de posturas, pero alego al profesionalismo de quienes intervienen en esta entrada para que, de esa forma u otra repliquen con respeto, conocimiento y con sensatez.

Cuando un servidor creó este blog, tomé conciencia de que lo hacía en un espacio donde no hay gente que tenga conocimientos previos (o desconozca todo conocimiento) del medio, de la afición, de estos productos warholianos.

En virtud de lo anterior, coloqué un espacio de PREGUNTAS FRECUENTES donde coloco algunas definiciones relativas al medio y, si alguno de ustedes tiene alguna pregunta, puede hacerla en los comentarios y con todo gusto la agrego a la sección.

Pues bueno, esta entrada se relaciona de alguna manera con 2 de las palabras que comento en ese espacio: Otaku, y Akiba-kei.

Amigos y estimados lectores, lo que a continuación leerán es el resultado de meses de reflexión. Un ejemplo de que nuestro medio, el del manga y el anime tiene tantos matices como colores del arcoiris. La convergencia de conceptos, las posturas polarizadas y las cismas que demuestran la dolencia y una de tantas puntas que ponen de manifiesto una crisis en nuestro medio. Una crisis de acuerdos y solidaridad.

Los hechos…

25 de abril, 2006.

Christian “Kurisu” Hernández, dueño del RORIKON [ロリコン] BLOG, responde a las críticas de David “Davo, Daevid, El_Autor” Marroquín, autor del blog “Ocio, Crápula y Cía.” entorno a que el segundo publicó una entrada en su blog donde lanzaba (a juicio del primero) críticas infundadas en el mito y la distorsión exagerada acerca de la vida en el medio del manga, el anime y sus fans en México.

Así las cosas me dí a la tarea de analizar del texto de Marroquín en cuanto a forma y contenido, buscando alguna parte donde se presentaran esas opiniones ineptas hacia los “otaku” (mexicanos y del mundo):

1. La entrada en toda su extensión, utiliza diversas figuras como el sarcasmo, la ironía y la farsa que por medio del lenguaje soez conforman el sello de originalidad del autor. Además de aportar una imagen que toca lo hilarante y lo eminentemente real en uno solo, cosas acordes a lo que gusta y entretiene su lectura hoy en día.
2. En la primer parte (“MODUS VIVENDI-desu”) proyecta en uso de la figura de lo soez y la ridiculización, los clichés que los mass media han forjado en el gusto de la colectividad de fans al manga y el anime. Pese a que hoy día se puede disfrutar de los fansub como una forma de difusión y continuidad en los gustos del fandom, existe una abrumadora mayoría que cae en las poses que el autor de la entrada menciona.
3. En la segunda parte (“MÁS ALLÁ DE LA PANTALLA-desu”) utiliza la ironía y el sarcasmo para reflejar aspectos en la figura del fan al manga y el anime en México (extensibles a, lo que he visto, al resto de Hispanoamérica), como la forma de manifestar su gusto por tales productos de la cultura pop mundial en distintos niveles, la figura vanal y devaluada de los “sabelotodo” como líderes de opinión y tendencias (además de un indicativo del status entre el fandom), su desentendimiento por las actividades físicas y la alimentación, así como la extrapolación de diversos imaginarios (de forma superficial) ante la vida real como una forma forma de imponer sus ideas.
4. La tercer y cuarta parte (“MUJERES-desu” e “INTERGOD-desu” respectivamente) exponen por las figuras sarcásticas y soeces, un somero esquema de relaciones interpersonales del fan ante con otras personas, o personas de sus misma filiación lúdica. Agregando diversas herramientas electrónicas (portales, foros de discusión, códecs, fansubs, etc.) de las cuales el fan toma como puntos de reunión y consumo.
5. La quinta parte (“EXPERTO EN MINUTOS-desu”) el autor sugiere (entre ejemplos de series disímbolas al gusto del generalizado) los distintos esquemas (géneros) que para la fanaticada son apabullantes y que elevan en más de un caso al nivel de burdos snobismos.
6. El resto de las partes abordan distintos tópicos que aluden al repliegue de puntos de reunión (donde ponen de manifiesto una madurez palpable y un hedonismo sin parangón), discusiones (donde la vanalidad, el sentido común mezclada con una especie de “fe ciega”, la simpleza y la excacerbación componen los factores que nublan el buen juicio), frases “célebres”, consecuencias (desde la disociación social, el retraimiento y egocentrismo hasta las simplezas que en la cotidaneidad se acostumbran a ver en clubes de fans de artistas pop) que son reales, pero manifestadas en las reglas antes descritas.

Mención aparte, el autor menciona diversas personalidades que han hecho en distintas épocas y trincheras, un pedazo (aún fresco) de la historia de la afición al manga y el anime en México. Personajes y logros que abordaré en cuanto tenga avances en el proyecto de artículo para Wikipedia en Español.

La conclusión a todo esto es simple: Detrás de las risotadas que a un adolescente o a un joven (como su seguro servidor) pudieron haber generado cada 5 líneas de texto, detrás hay un halo de cruda verdad que, pese a que puedo elevar fácilmente a nivel de ley en la realidad de la idiosincrasia y cultura del jóven japonés de hoy, en Latinoamérica se pueden encontrar un buen número de casos. Casos, consumidores a los cuales (debemos considerar) han sido el objetivo de los entes que desinforman en el medio (páginas, portales, publicaciones impresas, tiendas) de una forma 10 veces peor que lo que cualquier lector haya mal-interpretado la entrada de Marroquín.

Lo anterior y el hecho de tomar esta clase de temas con la cabeza fría bien pudieron ser el punto débil de los argumentos que Christian Hernández lanzara ese 25 de abril sobre la entrada de “El_Autor”. Argumentos que a continuación procedo a analizar (extractos de la entrada, en cursiva):

La Guía del Otaku: Un insulto no sólo a una de las culturas más sólidas, importantes y dispersas en el mundo, sino a todos los que se denominan otaku no sólo en México sino en el mundo.

La indignación es que tipos como éste sigan mofándose y maliformando a las personas sobre la cultura otaku, pero que además, conozcan los lugares, las actividades, las series de anime, los personajes (humanos y animados) que conforman los pilares de la cultura otaku.

El insulto pude considerarlo si el autor de la entrada iba hacia mí, pero como no tenía nombre inscrito no tengo la necesidad de sentirme indignado o aludido, por lo tanto, parece raro que se haya podido poner el saco. Ahora, el suponer la existencia de algo como “la cultura otaku” (cuando en realidad hablamos de una sub-cultura) es tan absurda como pensar que México sea una colonia japonesa, mención aparte de que Japón es un país con sendas heridas en su identidad y su forma de vida, factores que con la tecnología y la política empresarial fomentan en diversas actividades que al día de hoy, han afectado a más de 1 millón de personas.

Por otra parte, no creo tan elocuente y propiciante al exponer a alguien como “inepto” el referirse a su biografía. Digo, a menos que no se tenga conocimiento alguno de los términos de la nettiqueta y las actitudes que la red genera en los individuos (como el anonimato en línea), cosas no necesariamente generadas por las razones que de inmediato, consideramos como correctas.

Este sujeto es un completo ignorante. Un muchacho sin preparación académica que encuentra placer burlándose de los demás […] Obviamente, estos datos no los maneja cualquiera. Solamente una persona demasiada metida en la cultura otaku o resentida con ella, podría conocer estos datos y utilizarlos, lamentablemente, de una manera tan negativa.

Estoy confundido. Por un lado se argumenta que el autor no tiene preparación académica (que al mencionar la suya denota una pérdida de la seriedad y una actitud polarizada e intolerante, otra paradoja más de nuestro fandom donde tenemos la “apertura de opiniones y criterios”) pero en otro fragmento menciona que él debió tener una preparación o haber tenido que ver en algún aspecto del medio para escribir con (¿verdad disfrazada de sarcasmos?). Eso compañero se llama vocación, que como en el caso de Atomix (revista de digital entertainment, con una pequeña sección sobre anime) y su renovación editorial relatada en uno y otros frentes son la muestra de que la vocación EN MUCHOS CASOS puede hacerle frente a personas con amplia formación en los medios.

El resto de sus argumentos, con la pena, solo demuestran esa faceta oscura y disociativa del FAN al manga y el anime que en vez de tratar de poner en lugar a una persona inepta, hace quedar en mala posición al fandom mexicano. La posibilidad de contrastar de tajo el asunto bien pudo resolverse mediante una segunda o incluso, una tercera lectura. Eso mejor a borrar el tópico (que tengo al inicio de la entrada en total disposición para quien lo quiera bajar) por prejuicios.

Concluyo con un fragmento del artículo de Alejandra Aguilar Reyes que, con las debidas correcciones, engloba muy bien la idea final:

Dentro de este medio, otaku es el término más controvertido […] porque mientras muchos definen al otaku como el fiel y absoluto fanático del manga y anime que vive por y para conocer todo al respecto y estar actualizado en el tema, otros más hacen referencia con esta palabra, solamente a las personas que les gusta este tipo de obras, y algunos más benevolentes hablan incluso de una “clasificación” de otaku según su conocimiento o entrega al tema. Cabe mencionar que fuera de Japón, se aplica la palabra otaku para definir a los fanáticos de manga y anime exclusivamente.

[…]

Particularmente prefiero creer que un otaku es un aficionado al manga y al anime. Aunque si somos estrictos con el significado literal al traducir la palabra, entonces lo correcto será definirlo como un auténtico fanático. Sin embargo, generalmente la denominación fanático no se considera como algo despectivo, de hecho, encontramos que las adolescentes se consideran bastante orgullosas al decirse fanáticas de tal o cual grupo musical o de equis cantante o actor.

Entre otaku en nuestro país, las cosas no son tan aceptadas, puesto que entre los que lo son verdaderamente (todos unos otaku, literalmente hablando) el círculo es tan cerrado que sólo existen dos opciones, o eres de los que los critican o eres parte de ellos. Mientras que los [fans] se preocupan además de informar al resto de las personas sobre su afición.

Ellos tal vez sean los verdaderos [fans] porque no solamente se dedican a cultivar su afición, a mantenerse informados y actualizados, sino también a dar a conocer lo que este mundo significa y quitar todos los prejuicios que se han formado ante esta forma de expresión, que a final de cuentas es parte de una cultura bastante lejana a la nuestra, por lo cual es difícil de comprender para quien tiene acceso a ella por primera vez.

Afortunadamente para esta afición y todos los que en ella disfrutamos pasar nuestro tiempo, cada vez son más los [fans] que prefieren abrirse y dar a conocer todo este mundo de sueños, fantasía y magia, combinado con arte, mercadotecnia y cultura. Tal vez en un futuro no muy lejano podamos tener acceso a este forma de expresión cultural en museos o recintos más diversos que los tianguis y convenciones.

Finalmente, invito al buen amigo Hernández a que rebata algunas cosas que expongo. Veamos hasta dónde podemos elevar el nivel de discusión. Finalmente, amigo/a lector/a, le invito a que vea las circunstancias y, si tiene algo qué decir, opine… Si tiene dudas, pregunte. Que tengan un buen día.

Será una semana en la que me he encontrado en una suerte de “crisis creativa”, aunque a fin de cuentas, en realidad solo fue un lapsus de indesición ante lo nuevo que ha trastocado mis sentidos, mi juicio y prioridades con este espacio olvidado por [el dios que ustedes adoren], pero recordado por quienes le interesa o empieza a interesarles el manga, el anime y la cultura japonesa.

Así las cosas, esta nueva entrada será sobre 2 aspectos que abordan el título de esta entrada: Algunos argumentos sobre el cómic y el manga, aparte de un podcast que hice sobre el dilema Manga Vs. Comic. Empiezo con el argumento:

Habrá sido en algún momento de 1999 cuando en mis manos cayó un número de DOMO (fanzine que marcó generación en México al ser el primero que toma el manga, el anime y la cultura japonesa como parte de su concepto), en su interior había un artículo que de alguna manera, me marcaría como la base para la forja de mi gusto por tales productos warholianos de ojos grandes y figuras estilizadas.

Pese a que lo he puesto en diversos espacios desde 2002, un acontecimiento (que en la 2da. parte detallaré) ha sacado una vez más un tema de divergencias de opinión y preferencia personal disfrazado de discusión bizantina, según cada generación de fans del arte secuencial saca a la luz dentro del marco de la “originalidad”.

Bueno, acá está el artículo: Manga-Anime Vs. Comic-Cartoon: ¿Falsos antagonismos?

Acá un resúmen de sus principales puntos:

• El manga se hace con papel económico. El cómic usa papel satinado.
• El cómic retrata a “héroes perfectos”, sin problemas cotidianos por los cuales preocuparse. Enfrentan sus problemas con cierta facilidad y nunca eran dañados, además, no acontecían hechos políticamente incorrectos (drogadicción, sexo, muerte o groserías) y no tenían continuidad entre aventura y aventura.
• El creativo se percató del detalle y empezó a impregnar en sus personajes historias del drama humano, haciándolos pasar de “dioses” a seres con errores y defectos, es decir, se les humanizó (La Muerte de Superman y La Caída del Murciélago son ejemplos de ello).
• El orígen del manga (moderno) data de la Segunda Guerra Mundial, por lo cual empezò como una prioridad en sus historias hacia los relatos alegres, que al paso del tiempo extrapolaron con mayor grado el defecto, la virtud y la sensibilidad de sus personajes.
  
• La varierad en historias del manga supera a la del cómic, gran parte de ellas venidas de la cotidaneidad (mangas para oficinistas, para ejecutivos o amas de casa, etc.).
• Del principio al fin de un manga, SIEMPRE hay un/a autor/a detrás. Mientras que en el cómic hay equipos creativos que cambian y cambian según se refleje en sus números. A esto se debe en parte, que las historias en cómic simplemente sean “eternas”.
• El autor de cómic no se presta a dar continuidad a su creatividad, sino a la fórmula que otro le da (al tomar una obra de autor consagrado) o cuando crea su propia obra. Mientras que en el manga, año con año las casas editoriales más grandes de la isla obtienen nuevos talentos mediante concursos masivos, dándo así una continuidad creativa.
• El manga, como la moda (y el anime), son extremadamente volátiles: En varios casos no se deja al creativo terminar de “cuajar” su obra en el público, y la editorial/casa de animación ya le pide otro trabajo. En cambio, el creativo de cómic puede vivir de por vida si se le da continuidad a un personaje de sus obras por concepto de regalías.
• El ritmo de producción de un autor de cómic es menor al de uno de manga, aunque hay que tomar en cuenta que el cómic es a color, mientras que el manga es en blanco y negro.
• El creativo de manga/anime intentó adoptar la continuidad extendida del autor de cómic, con resultados diversos: El caso nefasto de Dragon Ball GT con la popularidad constante de Doraemon, Detective Conan y Crayon Shin-Chan.
• Los cartoons son el 99% producciones hechas para niños (con todo lo que ello implica), mientras que el anime posee una amplísima variedad de géneros y subgéneros para todas las edades.
• El cartoon polariza los conceptos de maldad y bondad a términos que podrían tomarse como “absolutos”, mientras que el anime presenta tonalidades de ellos, alrededor de un equilibio contextual y argumental.
• El creativo de cartoons dentro del área cinematográfica ha recurrido al artista asiático para crear obras destacables del género (El Rey León, Spawn, Atlantis, Titan A.E.); es por ello que no debemos de extrañarnos que el principal estudio de Disney/Pixar se encuentre en Japón. Pero son obras donde el traslado de un hecho “real” (la muerte de alguien) es suavizada o anulada, perdiendo coheréncia en su desarrollo.
• El uso de tecnología de animación en 3D es completo cuando hablamos de cartoons (aunque poco a poco ese aspecto se ha ido equilibrando), mientras que en el anime se utiliza en la mayoría de los casos como elemento de apoyo a la animación tradicional (Macross Plus en 1995 fue el primer anime que usó motores de animación 3D en sus secuencias de acción).

¿Comentarios, opiniones?

Death Note prohibido en China.

Uno de los títulos de la industria que ha desatado gran popularidad por la forma de abordar el tema ha sido Death Note (título en la mira para reseña de manga / anime), manga de Takeshi Obata (historia) y Tsugumi Ōba (dibujo) y que recientemente en su versión anime (dirigido por Toshiki Inoue [Estudio Madhouse]) se ha ganado más seguidores alrededor del mundo. Pero en algunas provincias de China se prohibió su tiraje de mangas por la policía, ya que el fervor del público ha desbordado la cordura que muchos estudiantes hicieron sus “Cuadernos de La Muerte”, donde escribieron nombres de compañeros y profesores que, en algunos casos, contenían incluso formas muy específicas para sus muertes.

Uno de los lugares donde más repercusión ha tenido la venta de este merchandising ha sido la proviencia de Shenzhen, el mismo lugar donde el pasado día 20 de Marzo se publicó un artículo sobre el fenómeno de los “Cuadernos de La Muerte” entre los estudiantes, con gran repercusión mediática. Así comenzó este fenómeno, pues en el artículo se recogían testimonios de padres que habían encontrado una “Death Note” entre las pertenencias de sus hijos en edad escolar, ya sea en la mochila o bajo la almohada.

El incidente saltó a la prensa bajo el titular “Death Note despierta oscuras emociones en los niños”. Según declaraciones del director y supervisor del Centro para la Educación de la Salud Mental de los Adolescentes en Hubei (provincia): “Death Note contiene misticismo, muerte, venganza y otros factores emocionales que no les son familiares a los niños. Estos sentimientos despiertan la curiosidad de los niños hacia los “Cuadernos de la Muerte”. Como resultado de ello, Death Note tiene un gran impacto psicológico negativo sobre los niños.”

El artículo tuvo como consecuencia, tras las peticiones masivas de los padres, que se confiscasen alrededor de 190 “Cuadernos de la Muerte” en las primeras redadas a tiendas de juguetes y de artículos escolares. Parece que las declaraciones de los estudiantes entrevistados no le quitaron paja al asunto, a pesar de que dejaban muy claro que solo se compraban el cuaderno por diversión, por ser algo muy de moda o simplemente porque sus amigos lo tienen. Uno de los entrevistados declaró que “Death Note da un poco de miedo”, ¿Pero acaso todos los poseedores de un “Cuaderno de La Muerte” han escrito nombres en él? La respuesta es no, pues algunos incluso lo usan para tareas escolares o han escrito su propio nombre en él. Un estudiante dijo al ser entrevistado: “Todo eso de que mata es falso, todo el mundo sabe que no es verdad.”

Para empeorar aún más las cosas, las autoridades descubrieron que muchas tiendas cercanas a las escuelas de Wuhan (provincia) vendían el manga de Death Note junto con otros mangas para adultos y videojuegos, todos ellos considerados dañinos e inapropiados para su venta cerca de las escuelas. Además, debido al hecho de que los “Cuadernos” no contienen información del fabricante, se los ha clasificado como ilegales y se ha avisado a los comercios que de seguir vendiendo estos objetos se les castigará duramente.

Sin duda, esto parece ser un operativo encubierto anti-piratería. Cosa que no extrañaría del país que más cosas se ha “pirateado” en el mundo. Aunque no quito de la llaga algo de verdad en los testimonios, es recomendable como padres tener la responsabilidad de sus hijos para lo que ven/leen, ahora que en nuestro país el manga ya se encuentra a la venta ($65.00) a fines del mes pasado por Editorial Vid.

Fuente: Animanga.com.mx

Estados Unidos lanza versión original en anime de “Highlander, El Inmortal”.

Highlander: Search for Vengeance es una producción de 80 minutos de duración, de los reconocidos estudios Madhouse (Death Note, Tsuki Hime) y fue estrenada simultáneamente en Japón y Estados Unidos el pasado 20 de abril. Es dirigida por Kawajiri Yoshiaki, quien ha participado en famosas obras como X-1999 y Ninja Scroll, por citar algunas. El lanzamiento en manga será el 5 de junio, a cargo de Manga Entertainment.

La historia narra la aventura de Colin MacLeod, el inmortal escocés, que viaja con el sarcástico fantasma Amergan en busca del déspota inmortal Marcus Octavius, que mató a la amante de Colin siglos atrás en las llanuras celtas. La que antaño fuera la gran ciudad de Nueva York se encuentra ahora bajo el agua, únicamente con una fortaleza dominante elevándose sobre el mar, la fortaleza de Marcus Octavius. MacLeod se debate entre salvar a los supervivientes de Nueva York o dar caza a su Némesis.

Fuentes: Anime en Trance y Animanga.com.mx

Nueva temporada de Genshiken.

Justo cuando este mes se pone a la venta junto al tercer pack de la serie de televisión de Kujibiki Unbalance la tercera y última OVA de Genshiken, en la web oficial se puede leer el anuncio de una nueva serie de televisión.

En principio el estreno está previsto para la temporada de otoño, y según informa la noticia el grupo contará con la presencia de Chika Ogiue como miembro más reciente, personaje que ya aparece en las OVAs.

Como se habrán dado cuenta, Genshiken es uno de los títulos que recientemente he anexado en el apartado de reseña de manga / anime, así que obviamente tendrán más información aquí.

Fuente: Animanga.com.mx

Bueno, tomando en cuenta que en pasadas entradas hablo un poco sobre los grupos de fans al anime y manga en México, esto lo hice en parte como preludio para hacer esta receta que debía en otros espacios:

Genshiken (げんしけん) es un acrónimo de “Gendai shikaku bunka kenkyūkai” (現代視覚文化研究会), que dicho en español significa Sociedad para El Estudio de La Cultura Visual Moderna. Los Genshiken son clubes que se encuentran en las universidades japonesas, cuya finalidad son el ver desde una óptica analítica y seria, todas las manifestaciones que sean parte del momentum.

Hasta este punto podemos decir que no hay gran diferencia con los clubes que existen en las universidades estadounidenses, donde podemos encontrar una gama de opciones de acuerdo a la actitud que puede explotar más el estudiante. Sin embargo en el caso japonés se pueden encontrar clubes bastante atípicos como un Genshiken, ya que gran parte de la producción de anime reutiliza clichés del entretenimiento.

En ese sentido, podemos decir que la creación de Kio Shimoku en la revista antológica de manga Kōdansha Afternoon retoma algo que otros autores ya extrapolaron desde el escaparate hiperkinésico (movimiento activo) de la comedia: Otaku no Video (おたくのビデオ) de Gainax es el ejemplo y la referencia inmediata si queremos hacer las respectivas comparaciones.

El anime (salido de las filas de Palm Studio en 2006) retrata las andanzas de un grupo de otakus (sin comillas) en diversos momentos de la vida universitaria y personal. Hasta aquí llega el protagonista de la historia, Kanji Sasahara (笹原完士) recién ingresado a la universidad que, luego de ver las diversas opciones que le ofrecían los clubes, encontró tan peculiar grupo. Pese a su actitud de negación ante la realidad de las cosas (dice no ser otaku), al ingresar al Genshiken y durante el transcurso de los episodios (12 episodios y 2 OVAs) se da cuenta que el ambiente le es agradable: Se identifica con el grupo.

Pese a que en el campus los miembros de los otros clubes ven con desprecio a los integrantes del Genshiken y que duante la serie muestran una falta de miembros, podemos encontrarnos en el resto de sus personajes las diversas facetas que componen a la otaku seinen (juventud otaku) actual: Desde el fanático con pinta de ser humano normal, pasando de su novia antipática que acaba por integrarse al grupo como cosplayer y le hace compañía a una aficionada y declarada empedernida al yaoi, el tipo grande y tímido que cuando analiza un anime habla como si el habla fuese más un don que una habilidad, el fanático de los mechas y los garage kits. Todos dirigidos por seres de aspecto enclenque, pero doctos en el tema más retorcido de la cultura visual moderna.

Incluso el título de sus 12 episodios puede ayudar a describir las diversas facetas en las que puede este autor aventurarse para tratar de entender las actitudes distópicas que hacen de los individuos y grupos de fans al manga y el anime la comidilla y burla de unos:

1. Estudio de la educación visual moderna.
2. Clasificación comparativa de la juventud moderna a través del consumo y el entretenimiento.
3. Problemas y méritos de la promoción de cultura local.
4. El efecto sublimador del disimulo de los impedimentos mentales conseguido mediante el maquillaje y el disfraz.
5. La frontera entre la aceptación y el rechazo a través de comportamientos autónomos.
6. anteniendo relaciones con otros mediante la subcultura.
7. Las características de tomar decisiones relativas a relaciones interpersonales.
8. Estudio comparativo del proceso de ensamblaje de una unidad producida en masa.
9. La existencia e inexistencia de las dudas aclaratorias sobre situaciones especiales aisladas.
10. El fetichismo del consumismo despreocupado bajo el punto de vista de los efectos económicos.
11. La teoría de la existencia de la malicia dentro del crimen urbano.
12. Las contramedidas que surgen durante la reorganización del grupo.

Sin duda una serie que recomiendo para aquellos que quieran acercarse un poco al orígen de todo lo que concierne al manga y el anime, comprendiendo el impacto diverso que ha tenido en el resto del mundo.

“Un genio literario como el de Mishima sólo lo produce la humanidad cada dos o tres siglos. Tiene un don casi milagroso para las palabras.”

(Yasunari Kawabata, escritor japonés. Premio Nóbel de Literatura).

Cuando hablamos de literatura japonesa, uno de los primeros nombres que salen a relucir sin duda, es el de Kimitake Hiraoka, aunque es mejor conocido como Yukio Mishima (三島由紀夫).

Nacido un 14 de enero en la ciudad de Tokio, hijo de familia acomodada, exentó el servicio a causa de la tuberculosis (pese a que hay versiones de que mintió en el pase médico), alejándolo de la Segunda Guerra Mundial. Luego de estar en una serie de trabajos de escritorio y de fungir como funcionario del Ministerio de Finanzas, en 1948 dejó el cargo para dedicarse a la literatura.

Un año después escribe sus “Confesiones de Una Máscara” (仮面の告白; Kamen no kokohaku), una autobiografía donde relata pasajes de su familia que bien pueden interpretarse como factores de su sicopatía:

“Mis padres vivían en la segunda planta de la casa. Su pretexto: De que era peligroso criar a un niño en el piso alto, mi abuela me arrancó a los brazos de mi madre cuando yo contaba cuarenta y nueve días. Instalaron mi cuatro en el dormitorio de mi abuela, siempre encerrado y con el aire impregnado de los olores de la enfermedad y de la vejez, siendo criado allí, junto a la cama de la enferma.”

El padre de personalidad poco atractiva, venido del sector agrícola, una madre dominante, con inquietudes intelectuales, una abuela paterna del clan noble de los Nagai, excéntrica, con rasgos epilépticos. Son estos los actores en la autobiografía Mishima, que pese a la sugerencia (en esta) de su velada homosexualidad (pese a que en 1967 se casó y tuvo 2 hijos), se convirtió en un éxito en ventas. Tenía 24 años.

En 1956 publica El Pabellón de Oro (金閣寺; Kinkakuji). Aquí se sobrepasa en su estilo y en la profundidad de los conceptos y retrata a un hombre obsesionado con la religión y la belleza. Lamentablemente el tema del estilo es algo de lo que los occidentales nos quedamos afuera, ya que no podemos gozar plenamente de su idioma por problemas de traducción.

Su lenguaje es tan ordenado que a veces parece amanerado y artificioso, pero muestra, en realidad, una preocupación -que el resto del país parece haber olvidado- por la belleza del idioma japonés. La riqueza y sutileza de su vocabulario, la fuerza de las alusiones, obligan al más aplicado lector a tener manos varios textos de consulta.

A partir de 1960, Mishima fue un escritor disciplinado y versátil. No solo escribió novelas, novelas de series populares, relatos y ensayos literarios, también escribió obras muy aclamadas para el teatro Kabuki y versiones modernas de dramas Nō tradicionales. Su escritura le hizo adquirir fama internacional y un considerable seguimiento en Europa y América, y muchos de sus obras más famosas fueron traducidas al inglés.

El nominado 2 veces al Premio Nóbel (la última fue en 1968, pero fue Yasunari Kawabata [su primer mentor] quien lo obtuvo) escribe en 1960 Después del Banquete (宴のあと; Utage no ato), cuya historia (los amoríos de un funcionario de gobierno con una restaurantera) lo pone en los reflectores de los políticos de la época.

Un año después escribe el cuento Patriotas (Yûkoku) en el que luego de años de preparación física y destreza en el kendo (generadas por un odio hacia una vejez cercana y una preparación hacia el samurai de antaño) fueron parte del contexto donde empezaba a considerar el cobijo de la muerte, tal cual éxtasis de una obra Wagneriana. El camino se estaba preparando:

El cuento es el relato de una rebelión militar y del seppuku de un oficial que prefiere eliminarse antes que tener que combatir a quienes se han rebelado y son sus amigos. De este cuento surge una película que provoca el escándalo, especialmente en occidente, por la escena del suicidio ritual (que el mismo Mishima interpretó). Lo tradicional de su país conmueve a Mishima, no en el aspecto melancólico como a Kawabata, sino en el heroico de un samurai atemporal.

En 1966 empieza a editarse su tetralogía El Mar de La Fertilidad (豊饒の海; Hojo no umi) compuesta por las siguientes obras: Nieve de Primavera (春の雪; Haru no yuki), Caballos Desbocados (奔馬; Honba), El Templo del Alba (暁の寺; Akatsuki no tera) y La Corrupción de Un Ángel (天人五衰; Tennin gosui). En ella el protagonista, Kiyoaki Matsuga muere en el primer relato, pero sus anhelos y motivos de luchas van pasando a los demás actores de la obra.

Mishima quiere hacer de este ambicioso proyecto su verdadero testamento, y no sólo literario, ya que vuelca en esta obra las inquietudes de toda su vida sobre su país. Desde la Era Taisho hasta el momento de su muerte.

En 1967, Mishima se alistó en las Fuerzas de Autodefensa de Japón y tuvo un entrenamiento basico. Un año más tarde, formó la Tatenokai (Sociedad Escudo), una milicia privada, compuesta sobre todo por jóvenes estudiantes patrióticos que estudiaban principios de artes marciales y disciplinas fisicas, y que fueron entrenados a través de las Fuerzas de Autodefensa de Japón bajo la supervisión de Mishima. Lecciones Espirituales para Jóvenes Samurai (葉隠入門; Hagakure Nyūmon) es un compendio filosófico y político que Mishima escribe paralelamente a la formación del grupo.

El 25 de Noviembre de 1970, Mishima y cuatro miembros de la Tatenokai visitaron con un pretexto al comandante del Campamento Ichigaya - el cuartel general de Tokio del Comando de las Fuerzas de Autodefensa de Japón (Jieitai) -. Una vez dentro, procedieron a cercar con barricadas el despacho y ataron al comandante a su silla. Con un manifiesto preparado y pancartas que enumeraban sus peticiones, Mishima salió al balcón para dirigirse a los soldados reunidos abajo.

Ante ellos, Mishima criticaba la constitución que los americanos les habían impuesto luego de la Segunda Guerra Mundial. También ataco al Jieitai por no haberse levantado contra esta medida. “No tienen identidad”, les decía con una voz similar a la que usan los entrenadores con sus jugadores en un descanso.

Regreso a la oficina del comandante y cometió seppuku. La costumbre de la decapitación al final de este ritual le fue asignada a Masakatsu Morita, miembro de la Tatenokai. Pero Morita, del cual se rumoreaba que había sido amante de Mishima, no fue capaz de realizar su tarea de forma adecuada: Después de varos intentos fallidos, le permitió a otro miembro de la Tatenokai, Hiroyasu Koga, acabar el trabajo. Morita entonces intento el seppuku y fue también decapitado por Koga. Otros elementos tradicionales del suicidio ritual fue la composición de jisei, (un poema compuesto por uno mismo cuando se acerca la hora de su propia muerte), antes de su entrada en el cuartel general.

Mishima preparo su suicidio meticulosamente durante al menos un año y nadie ajeno al cuidadosamente seleccionado grupo de miembros de la Tatenokai, sospechaba lo que estaba planeando. Antes de morir se aseguró de que sus asuntos estuvieran en orden e incluso tuvo la previsión de dejar dinero para la defensa en el juicio de los otros 3 miembros de la Tatenokai que no murieron.

En mi opinión, puedo decir que Yukio Mishima fue un hombre adelantado a su época que pese a su actitud dispar, sus tendencias fascistas (presumible razón de que le negaran el Nobel) y el ultranacionalismo manifestado, trató de mostrar en su vida y obra que el éxito económico y tecnológico del siglo XX ha erosionado lo más valioso del hombre: El sentimiento, la cultura, la tradición, lo que él denuncia con los más exagerados colores con el único fin de llamar la atención.

Hoy a 37 años de su muerte, podemos ver el panorama nefasto que el autor tokiota nos predijo: La despersonalización del individuo, la seducción del japonés a los lujos del capitalismo occidental, el desentendimiento familiar a nivel de individuos, la educación y el trabajo en su danza segregante, paliativa y la pérdida de identidad de la juventud japonesa que entre las ko-gals, los visual-kei y la enfermedad socio-psicológica del Hikikomori dan un panorama bastante desolador que para el turista extranjero (paradójicamente hablando) le es ajeno y le limitan a tomar solo bonitas fotos de la Torre de Japón.

En fin… Con esto doy fin a esta nueva parte del segmento cultural. Espero que les haya sido de su agrado. Comentarios, por los canales de siempre y para las personas que le dan seguimiento, muchas gracias por leerme.

Fuentes: Yukio Mishima (Wikipedia) y Noticias Anime!! (Foros AnimeOmega).

Una de las cosas que quiero reflejar en el proyecto de artículo que dirijo para Wikipedia es el desarrollo asintótico que han tenido las diversas agrupaciones de fans del manga y el anime que han tenido cierta relevancia en la comunidad.

Sin embargo, debido a la interacción que he tenido recientemente con un hermano colombiano y su blog, me veo en la necesidad de externar algunas cosas sobre el orígen, la fisonomía y las dolencias que tienen este tipo de agrupaciones que, pese a las referencias localistas (relativas a mi nacionalidad mexicana) tal fenomenología es extensible a toda Latinoamérica. Eso, o una coincidencia brutal.

Eminentemente hablando, podemos decir que las agrupaciones de fans en el medio pertenecen en extensión a una subcultura, es decir, un conglomerado de personas que giran alrededor de diversas simbologías/actividades/expresiones relativas a un movimiento cultural mayor que, generalmente, se encuentra en estado puro.

En ese sentido, Wikipedia nos informa el cómo se conforman los integrantes de una subcultura:

• Se manifiesta la subcultura en la gente joven —hasta los 40— por diferentes preferencias en el ocio, en el entretenimiento, en el significado de los símbolos casi como ideologías, en el uso de los medios sociales de comunicación y en el lenguaje.
• Algunas veces son simplemente microgrupos sin suficiente entidad. Serán los significados de los símbolos en las subculturas simbólicas y su interrelación en las subculturas estructurales, los que precisarán un enfoque sociológico, desde la perspectiva del interaccionismo simbólico.
• De acuerdo con teóricos claves de las subculturas como Dick Hebdige, los miembros de una subcultura señalarán a menudo su pertenencia a la misma mediante un uso distintivo y simbólico del estilo.
• El estudio de una subcultura consiste con frecuencia en el estudio del simbolismo asociado a la ropa, la música y otras costumbres de sus miembros, y también de las formas en las que estos mismos símbolos son interpretados por miembros de la cultura dominante.
• Si la subcultura se caracteriza por una oposición sistemática a la cultura dominante, entonces puede ser descrita como una contracultura.

Dicho en esa forma, el colectivo e integrantes que gustan del manga y el anime sí podemos ser una subcultura, ya que esos valores valores, esas actividades y su transposición circundante de una cultura (la japonesa) permite su existencia.

Es una pena que en otros espacios de corte más tendencioso hacia lo profesional por la red, manifiesten mediante lenguaje reaccionario (en respuesta a un agente de la contracultura) que en México existe una “cultura otaku”. Pero bueno, toda mi verborrea conceptual tiene una finalidad: Hacer contraste con una realidad que aqueja en el medio nacional y que la mayoría de las veces puede matar proyectos y esfuerzos interesantes en beneficio de la difusión de tal subcultura.

Uno de los primeros problemas que se observa es la naturaleza de las personas que integran un grupo de anime y su evolución acorde al tiempo: En un principio sólo se tenía el auspicio y fuente de continuidad a la televisión abierta, además de que las tiendas de historietas norteamericanas apenas empezaban a traer mangas de Viz Communications o de alguna editorial española.

Con el paso de los años y la masificación de los medios de comunicación, la explosión de internet como red global y la regionalización (como medio de acercamiento espacial, mas no el que puede ofrecer un doblaje, que gralte. coarta el mensaje original de una obra) mediante el cable y los grupos de fansub de diversos títulos de anime propiciaron un alza en el número de grupos “a razón de que la calidad de los mismos iba bajando y bajando… Así te encuentras con personas que se dicen aficionados a esto, pero tercos, groseros, de mente cerrada o bien no mas le entraron a esto por la pura oportunidad de ganar dinero fácil” (1).

Es por tal situación que nos encontramos ante una dicotomía: Los fans generados por la moda (mayoría) y los fans que asimilan y adquieren una responsabilidad de difundir su afición en la medida de sus posibilidades; adquiriéndose así un carácter de consumo (inmediato) y ya no de “cultivo” de la afición en pos de forjar el profesionalismo de alguno de sus integrantes. Es en casos como este cuando llegamos a otro problema: El liderazgo.

Como toda agrupación, la existencia de una figura del líder que represente los intereses de la colectividad se hace de inmediato presente. Un líder entonces tiene como deber primordial procurar por esos intereses; pero la realidad es otra: Debido en parte a la existencia del ala común del aficionado (de la moda o buscador de intereses particulares), la mayoría de las ocasiones se puede ser excluyente (en afán de conseguir un interés personal o de una fracción del grupo) y/o autoritario (cuando utiliza mecanismos de presión dentro del grupo como herramienta para sus propósitos).

Otro caso es cuando en el grupo la organización y los recursos desplegados en consecuencia (tecnológicos, humanos, etc.) para difundir los intereses de la colectividad generan una camarilla de “élite” que con (o sin) permiso del líder, pueden erigirse ante el colectivo como un ente de “poder inferido por ’su amigo’ el líder”, formando una supuesta “cadena de sucesión” cuyo propósito es el gestionar un “estado intacto” del grupo, cuya mayoría la integran personas con inestabilidad economíca, social y cultural.

Cuando males como estos son los que aquejan al grupo, todo proyecto o esfuerzo (sitio web, artículos, páginas informativas, blogs, etc.) puede caer en los huecos de lo tendencioso, lo tergiversado o simplemente en la inacción de alguna de esas actividades.

Casos como el de Animexico (en un primer estado, que quizás en el futuro lo detalle) o el de Anim-Arte (uno de los pocos reductos de convergencia entre aficionados de la vieja/nueva guardia) se ajustan en este panorama, pese a que actualmente ambas propuestas existen en la red (la primera, que de un portal se pasó a un wiki c/ blogs y la segunda, que luego del banneo de servidores texanos, se encuentra en un “momentum” más o menos estable) al día de hoy.

Por hoy hasta aquí le dejo. Comentarios son bienvenidos.

(1) : Artículo ¿Aficionado o fanático?, o ¿qué diablos es es la calidad del aficionado?

Antes de continuar e inaugurar la primer entrada como noticia en mi blog, primero quiero darle las gracias a “Oscarín Orbitus” del blog Latinoamérica Anime Manga y a Coral por ser las primeras personas que dejan comentarios en mi blog. En segundo lugar pongo una acotación: Pese a que el comentario es técnicamente una nota, en ocasiones si tal lo amerita, haré una crítica (informativa) al respecto. Por ejemplo en este caso:

Resulta que mientras buscaba información sobre mi proyecto de artículo para Wikipedia relatado entradas atrás, me topé con el blog de Oscarín Orbitus (a quien ya le conocía de la MLO [Mailing List Otaku, lista de correos en Yahoo! sobre manga y anime en Colombia]) y en una de sus entradas, la siguiente nota:

“El anime en México no está lo suficientemente apoyado”

Pese a que Orbitus tiene su respectiva entrada de la noticia, me parece adecuado hacer una crítica sobre la nota en sí, ya que el hecho de que nuestro amigo sea colombiano, le impide ver una perspectiva más amplia del problema y, de paso, hacer algunas correcciones a la nota. Así las cosas y para facilitar la lectura, los párrafos de la nota se verán en cursiva:

A pesar de que existe un público cautivo, el desarrollo de la manga, comics y anime se está estancando en México por la falta de apoyo de los medios de comunicación, lamentó Yoshi Kiyota, coordinadora de la Expo Manga Comic TNT13.

En entrevista con Notimex, señaló que a pesar de que hay público para este mundo de animación, la censura ha venido a frenar el crecimiento de estas tendencias orientales y occidentales.

• Hasta donde sé, Kiyota no es coordinadora de la expo. A menos que me equivoque, ella fue dueña del stand de su publicación (“Fandom”, de Editorial Toukan). Tan fácil como ver la página de “Contacto”, y ver las personas que estan a la cabeza.
• Hmmm NOTIMEX, primer nota que le veo relacionada con el medio. La censura (venida principalmente de E.U.) es la que le ha venido retrayendo al anime en Latinoamérica. Cosa que no pasaba hace unos años, cuando las televisoras tenían conexión directa con Japón.

‘Si no fuera por los eventos de TNT […], el público no encontraría un espacio para adentrarse más en este mundo de fantasía’, señaló Yoshi Kiyota, coordinadora de la expo que se llevará a cabo del 28 de abril al 12 de mayo en la capital mexicana.

[…]

La también editora de la revista ‘Fandom’ de editorial Tucán, indicó que lo ideal es que el gusto por la manga, que viene de Japón, y el comic, de Estados Unidos, se podría ampliar con un poco de difusión sobre todo en el sector infantil.

• Me pregunto dónde dejará el internet y sus beneficios (fansub, canales IRC, programas P2P). Incluso fuera de eso, los espacios siempre los hubo en la televisión abierta… Que el ala conservadora con los espacios noticiosos y su crítica destructiva como herramienta, la irresponsabilidad y falta de compromiso de los fans y las prioridades de los mass media nacionales (históricamente hablando), pues ya es otra cosa.
• Totalmente de acuerdo: La mayoría de los títulos generalmente tienen como distintivos la popularidad y los adecuados para públicos adolescentes y adultos. Muy pocos hay para niños, y si los hay… ¡Incluso los tienen censurados!

Apuntó que es injusto que se califique a las mangas como algo malo para los jóvenes porque existen niveles, como los hay para niños, también existe el rubro de adolescentes y para adultos, así como para aquéllos que gustan de la violencia, erotismo y sexualidad.

Explicó que hay mucha diferencia entre el manga de Japón y el comic de Estados Unidos, ’son cosas diferentes, mientras en la primera se explora la imaginación, los sentidos y el optimismo por la vida, en los segundos existen los hombres o mujeres súper dotados que a base de sus facultades entablan una lucha a muerte con el mal.

• Sí, es cierto, pero no podemos comparar la distinción entre los géneros y productos que salgan en manga o anime y que en el puesto ambulante “mande al carajo” su responsabiliad para hacer caso de tal distinción y que los productos esten a la vista de los niños.
• Lo dice en una generalidad, pero yo puedo ampliar esto. En una entrada futura pasaré a desarrollar el tema sobre manga y el cómic (que lo tengo aquí: http://anxworld.net/foros/viewtopic.php?t=20656), sus beneficios y diferencias.

Ahondó que la manga es fantasiosa, lleva detrás una historia que puede ser de amor, psicología, profesión, comida, de la vida social o de animales.

‘Es un mundo utópico, pero basado en la realidad, como la caricatura que hace tiempo pasaron en televisión conocida como ‘Ranma 1/2′, que fue una historia de amor para niños’.

• Cierto, hay historias y variedad en el manga y el anime. Pero en el caso de Ranma 1/2 la historia no fue propiamente para niños. Según una entrevista hecha a la creadora del manga/anime (Rumiko Takahashi), la serie fue creada como una crítica hacia la mujer y el matrimonio. No tengo a la mano la fuente, prometo pasarla.

Puntualizó que en la manga existe una catalogación rígida para evitar que los niños entren a otras categorías exclusivas de mayores de 18 años, por lo que pidió tranquilidad a los padres de familia y los invitó a ser parte de esta Expo Manga Comic.

Yoshi Kiyota agregó que en las mangas todo se puede porque es una cultura que nació en Japón a partir de la Segunda Guerra Mundial y ‘Aquí en México lleva un poco más de 15 años y su momento álgido fue con las caricaturas de ‘Candy Candy’, ‘Sailor Moon’ y ‘Dragon Ball Z’.

• Volvemos a lo mismo: Cierto, géneros y “control” los hay, pero la irresponsabilidad del que vende el producto es un aliciente que justifica parte de las críticas detractoras. Del resto, estoy de acuerdo.

Sin embargo, reconoció que existe un riesgo, sobre todo cuando el niño o adolescente intenta copiar a los personajes que por lo regular son de cuerpos perfectos y de actitud arrojada.

Indicó que otras naciones en donde la manga está creciendo son España, Francia y Reino Unido, así como en Corea y Estados Unidos, pero es una ‘lástima que en México no se esté viviendo esta efervescencia’.

• Responsabilidad de los padres para guiar al niño en su formación, sin dejarlo al desamparo y en las garras de la televisión.
• De nuevo a lo mismo: Efervescencia la hubo, pero por las mismas razones que pongo líneas atrás, la cosa se encuentra tal cual hoy día.

En fin, veamos cómo me va con esto. Que tengan una buena lectura. Les dejo un video de la persona entrevistada:

http://www.youtube.com/watch?v=QPotf7dzy-A